Comprender los 12 principios de animación de Disney

Principios de animación
(Crédito de la imagen: Disney)

Los 12 principios de animación de Disney fueron presentados por primera vez por los animadores Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro.La ilusión de la vida: animación de Disney, lanzado por primera vez en 1981. Al examinar el trabajo de los principales animadores de Disney desde la década de 1930 en adelante, este libro ve a Johnston y Thomas reducir su enfoque a 12 principios básicos de animación.

Estos principios, que forman la base de todo el trabajo de animación, son relevantes para varios campos diferentes. Aunque el uso más claro es para animar un personaje (ver nuestro diseño de personaje consejos aquí), estas reglas también son una guía invaluable en otras áreas, por ejemplo, al introducir movimiento en su interfaz con algunos Animación CSS .

En este artículo, echamos un vistazo más de cerca a cada principio de animación. Para verlos en acción, podría considerar registrarse en Disney Plus .



Este artículo presenta GIF de Vincenzo Lodigiani , quien también hizo el video corto The Illusion of Life (abajo).

Una vez que comprenda estos 12 principios de animación, podrá llevar su trabajo de movimiento al siguiente nivel. Estos son los principios y lo que significan:

01. Aplastar y estirar

El principio de aplastamiento y estiramiento se considera el más importante de los 12 principios de animación. Cuando se aplica, da a sus personajes y objetos animados la ilusión de gravedad, peso, masa y flexibilidad. Piense en cómo puede reaccionar una pelota de goma que rebota cuando se lanza al aire: la pelota se estira cuando se mueve hacia arriba y hacia abajo y se aplasta cuando golpea el suelo.

Al usar aplastar y estirar, es importante mantener constante el volumen del objeto. Entonces, cuando estiras algo, debe adelgazarse y cuando aplastes algo, debe ensancharse.

02. Anticipación

La anticipación ayuda a preparar al espectador para lo que está a punto de suceder. Cuando se aplica, tiene el efecto de hacer que la acción del objeto sea más realista.

Considere cómo se vería si saltara en el aire sin doblar las rodillas, o tal vez lanzara una pelota sin antes tirar del brazo hacia atrás. Parecería muy poco natural (¡puede que ni siquiera sea posible saltar sin doblar las rodillas!). De la misma manera, animar movimientos sin un parpadeo de anticipación también hará que tu movimiento parezca incómodo, rancio y sin vida.

03. Puesta en escena

La puesta en escena de la animación se parece mucho a la composición en el arte. Lo que queremos decir con eso es que debes usar el movimiento para guiar el ojo del espectador y llamar la atención sobre lo que es importante dentro de la escena. Mantenga el enfoque en lo que es importante dentro de la escena y mantenga el movimiento de todo lo que no tiene importancia al mínimo.

04. Acción recta y pose para posar

Hay dos formas de manejar la animación de dibujo: hacia adelante y pose para posar. Cada uno tiene sus propios beneficios y, a menudo, los dos enfoques se combinan. La acción directa implica dibujar cuadro por cuadro de principio a fin. Si busca movimientos fluidos y realistas, la acción directa es su mejor opción.

Con la técnica pose to pose, dibuja el cuadro inicial, el cuadro final y algunos cuadros clave intermedios. Luego regresa y completa el resto. Esta técnica le da un poco más de control dentro de la escena y le permite aumentar el efecto dramático del movimiento.

05. Seguimiento y acción superpuesta

Cuando los objetos se detienen después de estar en movimiento, diferentes partes del objeto se detendrán a diferentes velocidades. Del mismo modo, no todo en un objeto se moverá al mismo ritmo. Esto forma la esencia del quinto de los principios de animación de Disney.

Si tu personaje corre por la escena, sus brazos y piernas pueden moverse a un ritmo diferente al de su cabeza. Esta es una acción superpuesta. Del mismo modo, cuando dejan de correr, es probable que su cabello continúe moviéndose durante unos fotogramas antes de detenerse; esto es seguimiento. Estos son principios importantes que debe comprender si desea que su animación fluya de manera realista.

06. Reducir y reducir la velocidad

La mejor manera de entender la desaceleración es pensar en cómo un automóvil arranca y se detiene. Comenzará a moverse lentamente, antes de ganar impulso y acelerar. Ocurrirá lo contrario cuando el coche frene. En la animación, este efecto se logra agregando más fotogramas al principio y al final de una secuencia de acción. Aplica este principio para dar más vida a tus objetos.

07. Arco

Cuando se trabaja en animación, es mejor ceñirse a las leyes de la física. La mayoría de los objetos siguen un arco o una trayectoria cuando se mueven, y sus animaciones deben reflejar ese arco. Por ejemplo, cuando lanza una pelota al aire, sigue un arco natural cuando los efectos de la gravedad de la Tierra actúan sobre ella.

08. Acción secundaria

Las acciones secundarias se utilizan para apoyar o enfatizar la acción principal que ocurre dentro de una escena. Agregar acciones secundarias ayuda a agregar más dimensión a sus personajes y objetos.

Por ejemplo, el movimiento sutil del cabello de tu personaje mientras camina, o tal vez una expresión facial o un objeto secundario que reacciona al primero. Cualquiera que sea el caso, esta acción secundaria no debe distraer la atención de la primaria.

09. Calendario

Para este principio de animación, necesitamos volver a mirar las leyes de la física y aplicar lo que vemos en el mundo natural a nuestras animaciones. En este caso, la atención se centra en la sincronización.

Si mueve un objeto más rápido o más lento de lo que se movería naturalmente en el mundo real, el efecto no será creíble. Usar el tiempo correcto te permite controlar el estado de ánimo y la reacción de tus personajes y objetos. Eso no quiere decir que no pueda presionar un poco las cosas (especialmente si está creando un mundo imaginario), pero si lo hace, sea constante.

10. Exageración

Demasiado realismo puede arruinar una animación, haciéndola parecer estática y aburrida. En su lugar, agregue algo de exageración a sus personajes y objetos para hacerlos más dinámicos. Encuentre formas de empujar los límites más allá de lo posible, y sus animaciones aparecerán.

11. Dibujo sólido

Necesitas comprender los conceptos básicos del dibujo. Esto incluye saber como dibujar en el espacio tridimensional y entendiendo la forma y la anatomía, el peso y el volumen, y las luces y las sombras.

Si bien aquí también puede superar los límites, es importante mantener la coherencia. Si tu mundo tiene puertas torcidas y una perspectiva deformada, mantén esa perspectiva durante toda la animación. De lo contrario, las cosas se derrumbarán.

12. Apelación

Tus personajes, objetos y el mundo en el que viven deben atraer al espectador. Esto incluye tener un diseño fácil de leer, un dibujo sólido y una personalidad. No existe una fórmula para hacerlo bien, pero comienza con un fuerte desarrollo del personaje y poder contar tu historia a través del arte de la animación.

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